Когда мы радуемся, грустим, сердимся, испытываем страх, да и вообще любое чувство, даже когда просто томимся от скуки в ожидании чего-либо, мышцы нашего лица непроизвольно приходят в движение. Глядя на товарища, вы зачастую можете определить, какое у него настроение: рад ли он чему-нибудь или, наоборот, чем-то расстроен. Вы способны понять это без всяких слов.
Вот эти-то движения лицевых мышц, изменения выражения лица, и называются мимикой.
В жизни мимика не искусство, а наша естественная способность. Выражение лица возникает обычно непроизвольно. Зато у актера все это — результат большой, вдумчивой работы, внимательного изучения
характеров. На сцене мимика — важная часть актерского искусства. Она связана и с гримом: они дополняют друг друга.
Ученые издавна поняли выразительную силу мимики и пытались изучать ее. Еще в XVII веке директор французской Академии живописи и скульптуры Шарль Лебрен написал трактат «О методе изображения страстей». Ученый пытался установить, какие именно мышцы лица работают, когда человек испытывает то или иное чувство. Нот, например, что писал Лебрен о выражении страха:
«Страх, когда он очень силен, выражается В том, что у пораженного им брови сильно подняты в середине, а мускулы, вызывающие их движение, резко обозначены, тесно сжаты и падают на нос, который как бы стянут в верхней части...»
Особенно важна мимика на сцене, когда актер молча реагирует на события, на реплики партнеров. Кто молчаливую реакцию передает выражение лица.
монолог

Искусство театра, в отличие от других искусств, мимолетно.
Игра артиста в кино, например, фиксируется пленкой навсегда. И хоть тысячу раз прокручивай киноленту, и делай это хоть сегодня, хоть через полвека, — люди на экране будут каждый раз совершенно одинаково ходить, сидеть, улыбаться, ссориться, совершать ошибки, побеждать. Любое их движение, любой жест, взгляд или вздох — все будет повторяться точь-в-точь как и в первый раз: сегодня, завтра, всегда. Более десяти лет назад ушел из жизни Борис Андреевич Бабочкин, а Чапаев и сегодня летит по экранам всего мира на своем белом коне и разит врагов.
Игра артиста в театре, созданный им сценический образ живут лишь несколько часов — от первого поднятия занавеса до его финального падения. От начала до конца одного спектакля, одного представления. Назавтра спектакль может повториться, и пьеса, и декорации будут теми же. Но артист сыграет хоть немного иначе. Сыграть точно так же, как вчера, он просто не сможет. И весь спектакль окажется хоть чуть-чуть иным. Пусть в мело-
чах, но все же он будет отличаться от вчерашнего и завтрашнего представлений, даже если мы, зрители, этого и не заметим.
А время идет. Одни артисты уходят, приходят другие. Что же остается от искусства театра, вдохновения и таланта артиста? Увы, немногое. Воспоминания людей, рецензии в газетах и журналах. Но много ли в них можно сказать о живом впечатлении? Портрет актера в театральном фойе, даже если он заснят в роли, — разве он способен передавать облик, дыхание, суть ушедших вместе с актером со сцены героев?!

Дитя XX века
Он появился на сцене в конце прошлого или начале нынешнего века — точной даты его рождения не существует. Во всяком случае, именно в нашем, XX веке мюзикл расцвел, стал популярен и любим. Место его рождения — Соединенные Штаты Америки. Первые его герои — персонажи американской жизни начала нашего столетия.
Как и любое сложное явление на сцене, понятие мюзикла трудно объяснить в двух словах. Однако надо знать: музыка, пение участвуют здесь в развитии сюжета. А музыка здесь бывает самая разная: бытовая, эстрадная, джазовая, танцевальная, даже оперное пение.

Орфей был необыкновенным певцом и музыкантом.
Когда он пел и играл на лире, заслушивались не только боги и люди, — дикие звери выходили из леса, очарованные необыкновенными звуками. Деревья и скалы сдвигались со своих мест, чтобы послушать волшебную музыку. При звуках Орфеевой лиры затихало море. И даже страшного дракона, наводившего ужас на всю страну, пение Орфея сделало смирным и послушным.
Орфей полюбил нимфу Эвридику и женился па ней. Но, ужаленная змеей, Эвридика умерла. В глубоком горе отправился Орфей за нею в царство мертвых, захватив с собой волшебную лиру.
Владычица загробного царства Персефона и грозный страж этой мрачной страны пес Цербер были покорены печальной музыкой Орфея. Персефона согласилась вернуть Орфею жену, однако с условием: он не должен ни разу взглянуть па нее, пока они не достигнут земли, своего дома. Орфей не выдержал — посмотрел на жену. И Эвридика исчезла навсегда...

Париж спал, утомленный делами и балами. Куранты па башнях его семидесяти церквей пробили полночь. Мерцали газовые фонари. И вот наступил новый день — 5 июля 1855 года. Мало кто тогда знал, что именно в этот день в Париже произойдет сенсация. На Елисейских полях, одной из главных улиц французской столицы, впервые открывал свои двери маленький театр под названием «Буфф-Паризьен». Там нынче вечером ожидалась премьера — первое представление оперетты композитора Оффенбаха.
Жизнь на парижских бульварах била ключом. В середине прошлого века здесь образовался не только центр французской столицы, но и главный перекресток всей Европы. Здесь зарождалась мода женских платьев и мужских костюмов — и сразу становилась обязательной для всех от Лиссабона и Мадрида до Петербурга и Москвы. Получали признание или отвергались новые дорогие духи, определялась ширина полос на галстуках. Словом, Париж притягивал к себе и французов, и иностранцев.
Здесь прогуливались или подолгу сидели в маленьких кафе актеры и писатели, изгнанные короли и финансовые воротилы, владельцы модных магазинов, издатели книг и газет. А в газетах читатели мало интересовались обычными новостями: они жадно ловили новые выпуски публикуемого с продолжением романа Александра Дюма и спрашивали в письмах в редакцию: чем там кончилось дело у д'Артаньяна? У графа Монте-Кристо?..
На бульварах болтали о пустяках с самым серьезным видом. Какое масло полезнее: прованское или сливочное? Как лучше варить кофе? Какой масти лошади на-ИИ1 ряднее и какая порода резвее? Удачные шутки и остроты ценились выше дорогих безделушек. А модная песенка могла вознести автора в один вечер на вершины славы.
Вся эта пестрая толпа, не очень занятая делом, жаждала развлечений. И тогда, будто призванная самим временем, атмосферой парижских бульваров, родилась оперетта — веселый спектакль с музыкой, песенками, зажигательными танцами и остроумными диалогами. «Отцами» французской оперетты, да и оперетты вообще, стали композиторы Флоримон Эрве (1825-1892) и Жак Оффенбах (1819-1880).

Слово оркестр происходит от греческого термина орхестра. Так в греческом театре называлась круглая площадка, на которой выступали актеры.
До середины XVIII века оркестром называли место расположения музыкантов во время представления. Лишь позднее это слово приобрело современный смысл.
Оркестр — группа музыкантов, совместно исполняющих музыкальное произведение на различных инструментах. Оркестры подразделяются либо по составу инструментов, либо по характеру исполняемой музыки, репертуара: симфонические, оперные, эстрадные, военные, духовые, оркестры народных инструментов.

Однажды, в древности, во времена императора Нерона, Рим посетил армянский царь Тиридат. Его принимали торжественно и пышно, желая сделать верным другом сената и римского народа, показывали достопримечательности Рима и его окрестностей. Когда же царь Тиридат собрался в обратный путь, Нерон предложил ему выбрать в подарок то, что ему больше всего понравилось, и поклялся, что не откажет ни в чем, чего бы гость ни пожелал. И тогда Тиридат попросил в дар... актера, которого он видел в театре и, не понимая его речи, понял все, что артист выражал знаками, жестикуляцией, мимикой. Царь объяснил: в его стране живут люди, говорящие на многих языках и наречиях. Чтобы разговаривать с ними, приходится пользоваться многими переводчиками. Л этот актер станет «универсальным» переводчиком и один будет понятен всем. Его жесты настолько выразительны, что кажется, будто он говорит пальцами!
К этой истории можно добавить, что Тиридат увидел в римском театре актера-мима, а искусство, каким артист владел, называется пантомимой.
Как видите, пантомима существует с очень древних времен. Но и сейчас молодые актеры учатся тому, чтобы овладеть этим важным средством выразительности на сцене.
Есть и такое понятие — миманс, сокращение слов мимический ансамбль. Так называют группу артистов, участвующих в массовых сценах оперных и балетных постановок без каких-либо ролей с текстом.

Седьмое и восьмое ноября 1918 года. Первое представление пьесы Владимира Маяковского «Мистерия-буфф». С афишами трудно. Удалось отпечатать лишь небольшое количество, и то — в последний момент и без красок, только черные контуры изображения. И тогда Маяковский сам, собственноручно раскрасил каждую афишу, а его друзья приколотили их на Невском проспекте гвоздями: клея тоже не было. Ветер тут же рвал приколоченные листы. А на афише стояло:
Мы, поэты, художники, режиссеры и актеры,
празднуем день годовщины
ОКТЯБРЬСКОЙ РЕВОЛЮЦИИ
Революционным спектаклем нами будет дана
«МИСТЕРИЯ-БУФФ»!
В центре афиши Маяковский изобразил земной шар. На нем — надпись: «Старый свет». Надпись резко перечеркнута крест-накрест.
Так на стенах Невского в Петрограде появился первый советский театральный плакат. Его автором стал Маяковский, поэт и художник. А через год в истории театральной афиши произошло еще более удивительное событие.
В 1919 году в том же Петрограде на сцене Мариинско-го театра (Ленинградский академический театр оперы и балета имени С. М. Кирова) в опере «Дон Кихот» пел заглавную партию Федор Иванович Шаляпин. Дон Кихот стал одной из лучших его ролей.
На этот раз в Петрограде совсем не нашлось бумаги для афиш, да и типографии были загружены другой работой. И тогда заведующий театральными декорационными мастерскими, талантливый скульптор, художник и декоратор Сергей Александрович Евсеев решил нарисовать афишу, пусть в единственном экземпляре, и выставить ее у здания театра.

Так называется граница между сценой и зрительным залом. Вдоль нее, по самому переднему краю сцены, устанавливаются осветительные приборы, невидимые зрителям. Слово рампа можно употреблять и в переносном, расширительном смысле. Если говорят: «Пьеса увидела свет рампы», — значит, поставлена в театре.

Известный современный советский режиссер Анатолий Эфрос (1925—1987) рассказал такую историю.
— Однажды, когда мне было всего семь лет, мой папа тянул меня за руку со двора, потому что ему сказали, что я грубо выругался. Я шел и очень боялся предстоящего отцовского гнева... И вот он спросил меня, что я сказал, и я повторил это слово. Тогда он вдруг засмеялся. И попросил меня не быть таким дураком. До сих пор я помню это. Тогда я с особой силой влюбился в папу, просто влюбился...
Отец мальчика оказался талантливым, умным режиссером семейных отношений. А еще и добрым человеком.
Доброта очень важна в любых отношениях между людьми. И для отношений между режиссером и актером тоже. Потому что режиссер — главный человек в театре, от него зависит, каким будет новый спектакль, как будут играть актеры, как прозвучит пьеса.
Режиссер выбирает пьесу, назначает на роли актеров, осуществляет постановку на сцене, вместе с художником решает, как будет выглядеть спектакль внешне, ка-
ними будут декорации. Но главное — определить и решить, как должна звучать эта пьеса сегодня, для чего ставится именно она, а не другая. Ведь одна и та же пьеса может звучать в разных постановках по-разному!
Выше я сказал: режиссер — главная фигура в современном театре. Потому что так было не всегда. Когда-то, в пушкинские времена, например, актеры были предоставлены самим себе, решали свои роли, как им хотелось, как умели, как полагали правильным. А общего плана или решения спектакля не существовало.
Об этом серьезно задумалась Екатерина Семеновна Семенова (1786—1849), знаменитая драматическая артистка пушкинского времени. Ее искусством Пушкин восхищался необычайно. Он написал статью «Мои замечания, об русском театре» и даже подарил любимой артистке рукопись этого своего сочинения.
В 1826 году Семенова оставила сцену. Но, покидая любимое поприще, она подала в дирекцию императорских театров докладную записку под названием: «Мнение актрисы Екатерины Семеновой об улучшении драматических представлений». В этой записке она выразила неудовлетворенность постановкой спектаклей. «Игра и движения каждого, даже последнего актера должны быть приготовлены таким образом, чтобы ход его роли содействовал ходу всей пьесы...» Далее Семенова писала о том, что каждый актер должен хорошо знать характер своего героя, понимать, какие у него отношения с другими персонажами спектакля. Эта записка Е. Семеновой — первый документ, посвященный режиссуре.
Режиссерские заботы нередко брали на себя сами авторы пьес. Гоголь приложил к «Ревизору» специальное пояснение: «Характеры и костюмы. Замечания для господ актеров». И в пей подробно объяснил, как следует ставить и играть его комедию.
Эти же заботы тревожили и Островского. В своей «Записке о причинах упадка драматического театра в Москве», написанной более ста лет назад, он говорил:
«Какова бы ни была труппа — надо ею управлять... Для успешного управления труппой нужно много специальных знаний, которых никакая чиновничья добросовестность заменить не может. Надо уметь определять актерские способности, их характер и размер, чтобы не ошибаться в распределении ролей; надо следить за успехами молодых артистов и помогать их правильному развитию; а главное, — надо руководить постановкой пьес как внешней, т. е. декоративной, так и исполнением, для чего необходима художественная дисциплина. А дисциплина только тогда достижима, когда управляет делом лицо авторитетное... Вез дисциплины сценическое
искусство невозможно; оно перестает быть искусством и обращается в шалость, в баловство...»
Эти строки великого драматурга звучат вполне современно. Вот только слова режиссер Островский не употребляет: оно тогда еще не было в ходу.
Началом серьезной режиссуры в современном ее значении считается возникновение Московского Художественного театра, творческая деятельность К. С. Станиславского и В. И. Немировича-Данченко. За истекшие с тех пор десятилетия создалась и развилась современная советская режиссура.
Однажды Станиславского спросили, кого из советских режиссеров своего времени он считает самым талантливым. Константин Сергеевич ответил: «Я знаю только одного режиссера — Мейерхольда».
Всеволод Эмильевич Мейерхольд (1874—1940) действительно наиболее яркая фигура в нашем режиссерском искусстве предвоенной поры. Ученик В. И. Немировича-Данченко, Мейерхольд четыре года работал во МХАТе в качестве актера, сыграл ведущие роли в первых прославленных спектаклях Художественного театра.
Режиссерскую деятельность Мейерхольд начал в 1902 году. Его первые же постановки были отмечены поисками новых путей в сценическом искусстве. Зревшие революционные настроения в обществе отразились и в новых, революционных формах спектаклей режиссера.
Мейерхольду принадлежит историческая постановка в 1917 году лермонтовского «Маскарада» на сцене Петроградского Александрийского театра. Это был первый спектакль в репертуаре советских петроградских театров.

Происходит от латинского слова, в переводе на русский означающего необходимое. Так называют подлинные и бутафорские вещи, необходимые актерам по ходу
спектакля: портфель для учительницы, велосипед — в квартире спортсмена, скрипка — для музыканта. Реквизитом называют и некоторые дополнения к сценическому костюму: латы для Дои Кихота, очки для близорукого или дальнозоркого персонажа, веер для светской дамы прошлых веков, трость и трубка — для Шерлока Холмса, кортик — для военного моряка.

«Тревожная, настороженная тишина. Слабо различимый горизонт. Тучи. Равномерное движение цепи. Музыка передает звуки боя. В цепи матросской зияют бреши. Видно, как падают подкошенные люди. Не выдержав, матросы метнулись назад. Навстречу резерв. Простой командой Комиссар останавливает людей: „Не в ту сторону наступаете, военные моряки!".
С этого текста начинается второй акт пьесы «Оптимистическая трагедия» Всеволода Вишневского.
«Оптимистическая трагедия» — классическая пьеса советского театрального репертуара. В ней рассказывается, как матросский полк защищал Родину в дни гражданской войны.
А приведенное выше авторское пояснение, указание для исполнителей, а также для читателя, если мы читаем пьесу в книге, называется ремаркой. Ремарка содержит краткую характеристику обстановки действия, поведения действующих лиц, их настроения.

Слово это — латинского и французского происхождения и означает список, опись. Так называют сумму пьес, включенных в сезонную афишу театра.
Круг ролей актера тоже можно назвать репертуаром. Например, можно сказать: в его репертуаре только героические (или только комические) роли.
Этот термин может определять и вид театра: оперный, эстрадный, комедийный репертуар.